Ana Galvañ es un nombre esencial de la autoedición de nuestro país, sin embargo su obra es difícil de rastrear por las dificultades de las pequeñas obras independientes para llegar al gran público. Con Pulse enter para continuar Ana Galvañ ha mostrado todo su potencial en uno de los libros más relevantes del año que publicará en Estados Unidos Fantagraphics.
¿Qué es Pulse enter para continuar?
Es una compilación de cinco historias semilargas que transitan entre la ciencia ficción y lo fantástico con una premisa gráfica y conceptual que funciona como hilo conductor.
¿Cómo nace la obra?
Todo nace de un acuerdo con Toni Mascaró, editor de Apa Apa, en el que yo debía trabajar en un cómic largo (o más largo de lo habitual) para publicar este año. No conseguí llevarlo a cabo porque no me convencía lo que estaba haciendo, así que pensamos en publicar algunas historias semilargas..
Nuestra idea era que las historias, cada una con su particular idiosincrasia, tuvieran una coherencia narrativa y estética, y de esta forma crear un libro que funcionara como un todo y se convirtiera en una experiencia global, tanto visual como narrativa. Espero que lo hayamos conseguido.
El título parece remitir a la obra de John Varley, de hecho en la obra te acercas a
la ciencia ficción.
Quise hacer un homenaje a Pulse enter, una novela corta de John Varley que me encanta, además de un guiño a lo virtual y lo tecnológico en clave retro» y un homenaje a un géneroque he consumido con deleite desde niña.
En el libro se mezcla la ciencia ficción con el surrealismo para transmitir esas
sensaciones.
Desde el principio mi trabajo ha sido surrealista, tanto en cómic como en ilustración. Esa es siempre la base. Después juego con la ciencia ficción, el terror y lo fantástico de una manera muy libre, al menos eso creo yo, ya que no tengo afición a respetar los géneros y sus códigos, sino que disfruto entrando y saliendo de ellos. De alguna forma prefiero no estar condicionada por esto, aunque inevitablemente recrearé algunos clichés, en la medida de lo posible prefiero no hacerlo.
Juegas con las paradojas del espacio tiempo y a la vez haces una crítica poco disimulada a la alienación de nuestra sociedad de consumo.
En realidad mi intención no era hacer una crítica a la sociedad de consumo, sólo quería crear situaciones asfixiantes, y para ello he echado mano de la idea del entorno opresivo y los sistemas abusivos que suelen dominar al ser humano. En cuanto al juego del espaciotiempo, sí que hay una intención ahí, sobre todo en las historias primera y cuarta. Es un
tema que me fascina y disfruto recreando.
El último relato del libro nos permite conocer una organización terrorista que implanta imágenes en nuestra mente. La historia de Shinda Komodo servirá, además, para dar unidad a todo el libro.
Esa era la idea, que a partir de la última historia hubiera guiños hacia las anteriores. Estos son recursos con los que disfruto aunque no sea fácil percibirlos a priori.
En cada historia la forma y el fondo varían para adecuarse a lo que estás
contando.
La estructura de página y el color está pensados para ayudar a la narración, para transmitirlas emociones de las que adolecen los personajes y los diálogos.
En nuestra cultura el componente emocional sirve para lograr la empatía del
oyente. En tu caso evitas este uso de los sentimientos como hilo narrativo.
Reconozco que sí, que tengo tendencia a la frialdad o al estilo pictográfico. No soy muy fan de lo caricaturesco ni de cargar las tintas, al menos en mis historias.
De hecho intentas evitar la identificación de los personajes. En la mayoría de las
historias los protagonistas no tienen nombre ni rostro.
Sí, pero no sé decir muy bien por qué, simplemente surge así. No siempre establezco esa
distancia con los personajes, sólo en ocasiones. Supongo que me gusta verlos como piezas de un puzzle, de algo más grande, como si fueran personajes de videojuegos.
En tu dibujo utilizas formas de representación que parecen provenir de otros campos como los videojuegos, utilizando una perspectiva isométrica que parece
buscar una mayor iconicidad.
Para la premisa gráfica busqué un estilo que se diferenciara del resto y opté por una
estética cercana a la de los videojuegos, pero que fuera icónica en lugar de pixelizada.
El color se convierte en protagonista en tu trabajo.
Hubo un momento en el proceso en el que los colores eran algo más apagados, pero pensamos que quedarían mejor más vibrantes para que contrastaran con el tono frío de la
narración. En ese momento tuve tiempo a reaccionar y cambiarlos.
La estética de tu trabajo recuerda la imaginería de los años 80.
Esto no es buscado, pero hay gente a la que se lo transmite, quizás por el uso de de
formas geométricas que, en mi caso, beben más del constructivismo ruso y las vanguardiasde principios de siglo XX. Por otra parte, el hecho de que haya colores saturados y brillantes se debe, por un lado, a los colores de los anime que veía en mi infancia, y por otro, a la
influencia del diseño gráfico actual. Por lo que al final es una mezcla de varias épocas y
áreas artísticas.
Las formas geométricas parecen adueñarse por momentos de la composición.
En mi caso, la geometría siempre está presente. En algunos casos es más visible que en
otros, pero siempre subyace en todo lo que dibujo: en la estructura de página, las
perspectivas y el resto de elementos. En este libro quise que fuera muy visible.
Con Apa Apa te alejas por primera vez del campo de la autoedición.
¿Cómo ha sido la experiencia?
Ha sido muy diferente a la autoedición porque el proceso ha sido seguido de cerca por el editor, que ha guiado el proyecto con un espíritu libre pero un poco más coherente, vistoso y asequible que si lo hubiera hecho yo sola. Estos son aspectos que se suelen pasar por alto en el solitario trabajo fanzinero.
El diseño del libro se convierte en una herramienta eficaz para dar coherencia a unas historias muy diferentes entre sí.
El diseño del libro ha sido importante en el proceso. Le hemos dado mucha importancia a que las páginas intermedias incluyeran también información sobre las historias y que formalmente tuvieran relación entre ellas, así como el índice, la portada y las guardas. Reconozco que está bastante estudiado.
Todas las historias comienzan con un paseo.
Las historias comienzan con una pequeña introducción con aires de videojuego en la que,
tras “pulsar enter”, los personajes aparecen en diferentes espacios y caminan hasta colocarse en la posición del personaje de la primera viñeta, como si esta fuera la casilla de salida.
Tu trabajo habitual está relacionado con el diseño y la ilustración. Tus cómics parecen beber de todo ello aunque con unas elecciones mucho más arriesgadas.
Al principio tenía la costumbre de diferenciar entre estas dos facetas, pero ahora me he
dado cuenta de que están más unidas de lo que pensaba. El trabajo de ilustración, aunque sea algo orientado a vender un producto o a acompañar un texto, para mí funciona como
un reto para aprender nuevas formas de comunicar, componer y experimentar con la
técnica. Todo esto está repercutiendo en mi trabajo de cómic, y creo que está siendo
positivo.
Pulse enter para continuar se puede considerar tu primera obra editada aunque tienes una larga trayectoria dentro de la autoedición.
En 2008 dibujé mis primeras tiras aisladas, y en 2010 empecé a crear historias cortas, así que ya llevo unos ocho años dedicándome a esto, que no es poco, y siempre desde el ámbito de la autoedición. Es un universo en el que siempre me he sentido muy cómoda y no creo que lo abandone porque me encanta la libertad de poder publicar en cualquier momento, cuando quiera y como quiera sin depender de nadie. También soy muy fan de publicar online porque lo facilita todo mucho más, es económico, te permite toda la libertad del mundo y puedes llegar a mucha gente.
En pequeñas historias como Más allá del arcoiris has podido desarrollar tu propuesta personal en la que la forma del cómic es protagonista.
Más allá del arco iris ha sido importante para mí porque fue el primer fanzine que publiqué en solitario y con el que disfruté mucho experimentando. Es algo que dibujé en un momento muy extraño de mi vida y me sirvió para intentar entender algunas cosas, e incluso desahogarme. Está protagonizado por dos chicaspony adolescentes y se desarrolla en un entornoaparentemente bucólico, pero se va transformando progresivamente, dejando entrever distintos claroscuros vitales.
La autoedición parece disfrutar jugando con los modos de impresión y acercándose al libroobjeto.
En muchos casos sí, la experimentación no sólo queda en el fondo, sino también en la forma. El tipo de edición, las tintas y el papel elegido son aspectos que confieren a la publicación una calidad extra y que intervienen en la experiencia de quien lo lee. Hay mucha creatividad en este campo con gente ingeniándoselas para editar publicaciones originales y con mucha calidad a bajo coste.
Además de en tus propios proyectos participas activamente en trabajos colectivos como Pizza y sofá, Hoodo Voodoo, Woogie Boogie o los próximos Fantasías extraordinarias y Teen Wolf.
Siempre que puedo y mi trabajo me lo permite, intento seguir colaborando en
publicaciones colectivas. Es una forma de contacto con el medio que reporta mucha retroalimentación creativa, diversión y, de alguna forma, te hace sentir menos aislada. Creo que las antologías son importantes porque dan a conocer a una serie de autoras y autores que normalmente es difícil seguir de forma individual.
En paralelo mantienes una de las plataformas más relevantes para mostrar a nuevos talentos y dar espacio a voces difíciles de encasillar, la web Tik Tok comics
El proyecto Tik Tok lleva ya casi cinco años de vida y ha dado muchos frutos. La mayoría de las autoras y autores que han pasado por él, están realizando proyectos más serios con editoriales. Aunque he de advertir que en estos momentos Tik Tok está en una fase de cambio con vistas a transformarse en otra cosa parecida pero diferente, más ágil y enfocada a las redes sociales.
Tik Tok es un referente por el que han pasado gran parte de los autores independientes de nuestro momento.
Han pasado muchas y muchos¬ los que tenían una filosofía cercana al proyecto y han querido acercarse¬ por lo que creo que se recordará con cariño. No era ésta su función al principio, pero me alegro mucho de haya servido para eso. Como digo, Tik Tok va a desaparecer en breve como tal, ya que me absorbe demasiado y no tengo todo el tiempo que me gustaría dedicarle. Sin embargo, he creado un nuevo proyecto llamado Tris Tras, más ligero y fácil de manejar, con el que continuaré trabajando en esta labor de divulgación.
Te has convertido en un referente para toda una generación de autores y autoras que ven en ti un modelo de independencia y compromiso con el medio.
Yo creo que no soy un referente para estas generaciones, en serio, sino que he sido yo la que me he subido a este carro, porque de alguna forma también pertenezco a este momento, pero no me ven de esa forma. Sólo soy una más. Las autoras y autores emergentes son increíblemente independientes y rompedores. Creo que tienen muy claro que no le deben nada a nadie.
Parece que se asientan festivales como Graf y editoriales como Apa Apa parecen ir encontrando su público natural. ¿Cómo ves el panorama de la edición independiente?
Soy muy optimista al respecto. Este tipo de cómic y festivales tienen cada vez más público,y lo curioso es que la autoedición convive perfectamente con pequeños y no tan pequeños proyectos editoriales.
Se está creando un círculo en el que no sólo coexisten, sino que se retroalimentan, ya que las editoriales buscan nuevos talentos y, muchos fanzineros buscan profesionalizarse (en la medida de lo posible). Además, el público anhela frescura y propuestas diferentes, por lo que parece que la rueda gira y gira en la dirección correcta.
Pulse Enter para continuar lleva varios meses en el mercado. ¿Cómo está siendo la respuesta del público?
Pues parece que está funcionando bien, aunque todavía no sabemos del todo cómo van las ventas. Eso es algo de lo que se hace balance en un año aproximadamente. Aunque estoy contenta porque han salido algunas reseñas positivas de buenas críticas y divulgadoras. En cuanto al feedback personal, me he encontrado con lectoras entusiasmadas, y otros, más habituados a cómic comercial o que esperan una lectura liviana, no les ha acabado de convencer, pero eso ya lo esperaba. A mí me encantaría que lo fuera, pero no es para todos los públicos.
El libro se va a publicar en América de mano de la prestigiosa editorial Fantagraphics, todo un referente a nivel mundial del cómic independiente. ¿Cómo nace el encuentro?
El encuentro nace del entusiasmo y el buen hacer de Toni Mascaró (editor de Apa Apa) que les envió el cómic una vez publicado. Ese fue el primer paso. El segundo consistió en una negociación entre Alessandra Sternfeld, la representante de la editorial a nivel internacional y Fantagraphics, que llegó a buen puerto.
Da la sensación de que el mercado americano mira con curiosidad el cómic que se está produciendo dentro de nuestras fronteras.
Sí, se está viendo que autoras y autores españoles como Emma Ríos, David Rubín o David Aja están muy valorados allí. Ahora parece que editorial Fantagraphics se está fijando en nuestro cómic más emergente, y creo que es porque se están haciendo cómics con muchísima calidad y frescura.
¿Abre esta edición la posibilidad de trabajar para el mercado internacional?
En mi faceta como ilustradora ya llevo unos años haciéndolo, sin embargo, en cuanto a la creación de cómics, supongo que seguiré publicando primero en España y después vendiendo los derechos a editoriales extranjeras, ya que no trabajo por encargo y no creo que vaya a entrar en un proceso de trabajo en cadena o por entregas.
¿Proyectos?
Hace tiempo que tengo ideas para futuros cómics. Probablemente publicaré un fanzine
antes de embarcarme en una historia larga. Ya veremos…
Infame&Co